ワルター讃歌 2013年4月2日（火）

合唱コンクールでよく歌われる「大地讃頌」や組曲「旅」の作曲家佐藤眞（右）と指揮者で音楽評論家の宇野功芳との対談が面白い。

『宇野功芳編集長の本』（音楽之友社）
http://www.amazon.co.jp/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3%E7%B7%A8%E9%9B%86%E9%95%B7%E3%81%AE%E6%9C%AC-%E6%B2%A1%E5%BE%8C50%E5%B9%B4%E8%A8%98%E5%BF%B5-%E3%83%96%E3%83%AB%E3%83%BC%E3%83%8E%E3%83%BB%E3%83%AF%E3%83%AB%E3%82%BF%E3%83%BC-ONTOMO-MOOK/dp/4276962145

漫談家・牧野周一の息子である宇野功芳（1930〜）は毒舌と辛口の音楽批評で、よく”独断的な批評”として賛否両論があがることで知られる。

「音楽評論家である以上、好き嫌いではなく良し悪しを語らなければならない。」

と本人は述べるが、多分にその逆のようではあるが、でも直感的・感覚的な言葉で表現し、演奏の良し悪しを純粋に伝えようとするところがあるのでひとつの判断根拠には大いに役立つ。

時には

「あの顔を見れば、およそどのような指揮をする人であるかは一目瞭然だ」

といった具合にあまりにも嗜好の偏りが前面にでてしまうが、読む方としてはたいへん面白い。

ハンス・クナッパーツブッシュを第一に評価し、日本での彼の評価を高めた。カラヤンには総じて批判的で、ブルノー・ワルターやカール・シューリヒト、エフゲニー・ムラヴィンスキーに対しては好意的であることには同感で彼の評価を信ずるところが大いにある。ほかに朝比奈隆やオットー・クレンペラーに対しても擁護している節がある。

そんな宇野氏だから同業者もみな一目置くところがあって、あえて彼に対して反論しないようにみえる。ところが、この対談での佐藤眞（1938〜）は年下とはいえ、ズバズバ自分の思うところを述べ、自論を展開させ、宇野氏もタジタジといったところが大変面白く痛快である。

この対談、ブルノー・ワルター（1876〜1962）について色々と論じているのだが、そもそも宇野氏は若い時にワルターと10年近くも文通をしたことがあって親しく、大のワルター擁護者だ。対談の冒頭で果して佐藤氏はどんな発言をするか？

佐藤：「ワルターは指揮者としての特性の非常に優れた人だと思う、いろいろな面でね。だいたい芸術の世界で、平均的に優れているなんていうのは75点平均と云うか、あるいは何かが90点であればほかは0点でもいいみたいになっているけれど、ワルターの場合は全部が95点以上で揃っているような気がする」

宇野：「なるほど、なかなかいいこと言うじゃないか」（顔がほころんでいるのが想像できる）

「田園」では第3楽章以降で話題が盛り上がる。

佐藤：「”嵐の音楽”のベートーヴェンの凄いところは、途中まで行くと今度は嵐が静まってくるだろ？」

宇野：「静まってくる」

佐藤：「そこが長くて、音楽として充実しているんだ。そこは作曲家ではものすごく難しい。なぜかというと長いディミヌエンドをしながら充実した音楽を創って行く、というのは至難の業だ。大変なんだよ。力抜けちゃうの、だいたい。ところがベートーヴェンは抜けないじゃない。豊かな充実した魅力ある音楽で収めて行く」

そこの部分をワルターは巧妙に進めて行くというのだ。ワルターは概して”嵐の音楽”の部分はそう力強くやらない、前半の楽章に比べると、他の演奏に比べてもちょっと迫力が足りないぐらいだ。

このことは音楽に造詣の深い小説家・宮城谷昌光も言っていた。ワルターの雷と嵐は”音楽的雷嵐”であって、完全にグ具象画するよりも半具象に留めておいた方が全体のバランスが良い、かえって音楽に奥ゆきを感じさせる。そういうところにワルターの人格が反映されている、ということを。

マーラー「大地の歌」に会話が進み、ここでマーラー論が展開される。

佐藤：「マーラーは”ＫＹ”（空気の読めない人）だと思う。例えば第1番のシンフォニーの第3楽章から、もうあれがマーラーですよ。自分勝手にいつまでも続けて行く。しかしマーラーが成功したというのも、また”ＫＹ”だったからね」

次に佐藤氏はブラームスの第3番では、ワルターよりクナッパブッシュの演奏の方が良いと言い、クナッパブッシュをあげ、イメージをしっかり持っている指揮者の下ではオーケストラもそれをよく感じて、自分たちのものとしてやっている。そこが才能のある指揮者として素晴らしいところだという。勿論、ワルターだって、アーベントロートだって、そうだという。

佐藤：「ブラームスの3番はシンフォニーの中ではよくないね。第2楽章なんだけれども、管が出て、弦が受けるだろう？フレーズの最後のところを受けるというのはベートーヴェンの第9番の第3楽章の発想なんだ。ベートーヴェンは弦でやって管で受けるだろう？ブラームスはベートーヴェンをよく研究しているんだけど、逆に言うとベートーヴェンの真似ばっかりしてきた」

と、いよいよ絶好調になってきた。対して宇野氏は完全に聞き役に回っている。

佐藤：「ワルターのベートーヴェン1番は非の打ち所がない演奏で、本当にうまいと思うね。それで2番なんだけれど、ワルター・ファンはおよそ第2楽章がいいとかなんとか言うだろうけど・・・」

宇野：「僕も言います」

佐藤：「そうだろう？僕ね、あの4つの楽章の評価は、1,4,3,2楽章の順だと思う。第2楽章が一番落ちる。どうしてかというと、テンポが遅すぎる」

宇野：「いやいや、そんなことはないよ。遅すぎると悪いのかい？」

佐藤：「遅いための悪さが出てるよ」

宇野：「遅いから歌えるんじゃないのか？」

佐藤：「いやいや、あの曲はそういう歌じゃない。それに遅いと、符点のリズムの音型に小気味よさが出ない。とにかく、もうちょっと速い方がいい。テンポはとても大事なことだよね」

この対談、どちらかというと佐藤氏の自論に終始して・・・いやいや佐藤先生の方が一枚上手でありました。

行きつくところ、ふたりの思いは同じで、ワルターはフルトヴェングラーやトスカニーニに決して負けない才能を持った指揮者だった、というところかな。

前にも書いたが、モーツァルト の「アイネ・クライネ・ナハトムジーク」、今日的にいえば、あのＢＧＭのような曲を、ひとたびワルターの棒にかかると見事に新鮮な曲として蘇るのである。

いままではどちらかと云えば、3番手にあったブルノー・ワルター。もっともっと聴きこんでいくべき価値をもった指揮者であることには間違いない。

この対談集の宇野氏の発言で印象に残ったのは次の言葉だ。

「ハイドンの晩年の交響曲はモーツァルト より上だと思うけれどな。少なくとも飽きない」

「まあ、遊びだよね。ハイドンって結構遊びがあるんだ。モーツァルト は遊び人のくせに真面目なんだよ、交響曲は」

このことは小生も100％同感。モーツァルト を人はよく明るいとかいうが、彼は決してそうじゃない。どちらかといえばオタク的暗さがある。とくに交響曲は聴いていて退屈してくる、良いのは「リンツ」と40番くらいか。ハイドンの方がずっと楽しい。ピアノ協奏曲は全部素晴らしいのに・・・。
http://kirakuossa.exblog.jp/18464171

感動する音楽は、スタイルに関係ない 2013年11月29日（金）

音楽評論家の吉田秀和氏の正反対の極に立つような評論家がいる。

”毒舌と偏見”で知られる宇野功芳だ。

毒舌はともかく、偏見に対しては本人も異論があると思うが、少なくとも多くのこの人の書物を読んだり、批評をみているとそのように感じるしかない。でもそのことは一面では褒め言葉でもある。それだけ持論が”ぶれない”ということでもあるからだ。

でも持論を押しつけられるような気がして、最近ではほとんど読まなかったが、つい図書館で表題につられて読むことにした。

『宇野功芳のクラシックの聴き方』（音楽之友社刊）。
http://www.amazon.co.jp/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3%E3%81%AE%E3%80%8C%E3%82%AF%E3%83%A9%E3%82%B7%E3%83%83%E3%82%AF%E3%81%AE%E8%81%B4%E3%81%8D%E6%96%B9%E3%80%8D-%E5%AE%87%E9%87%8E-%E5%8A%9F%E8%8A%B3/dp/4276211190

ところが、この本が実に面白かった。なかでも評論家山崎浩太郎との音楽放談「ベートーヴェンの交響曲演奏と大巨匠の音楽」が愉快だった。

ワインガルトナーから始まって、歴代の巨匠たちを順番にベートーヴェンの演奏を中心に批評してゆく。もともと日頃の評論そのものが”放談”みたいな人の音楽放談だから面白いに決まっている。それこそ毒舌を通り越して、”なんでもあり”の世界だ。

うなずいたり、感銘を受けたり、興味深く読んだ個所をちょっとひろってみると・・・

ワインガルトナー
音程はいいけれど、縦の線がひどい。とてもプロの指揮者とは言えない。
いいかげんだしね。聴いていて、学者という感じがします。

トスカニーニ

フルトヴェングラーやワルター全盛期に彼がスカラ座を連れてベルリンで実演をした。その凄さは格別だった。

Y：彼のもたらす緊張感のようなものが全然違っていたのかもしれませんね。

U：レコードに入りきれないものすごいものがあるんじゃないの？　
実演を見なきゃわからないものが。
それでなきゃ、あんなに尊敬されるわけがない。

メンゲルベルク

僕の若いころから、すでに正統的じゃなくて、メンゲルベルク節のような感じにとらえられていて、われわれはあまり聴くものじゃないという印象をもってましたよ。麻薬のような。

ワルター（宇野功芳が若い時、ワルターと文通していたのは有名な話）
僕はワルターを聴いていると、ワインガルトナーに比べて、芸術的に相当上の指揮者だと思うなあ。

ワルターは、ルフトパウゼがすごく巧いんですよ。日本人的な”間”の感覚がある。「田園」を聴いていても、「40番」の例のルフトパウゼにしても、あの”間”は至芸だね。

クレンペラー

U：「7番」を最初聴いたときにはいやになっちゃったけど、フルトヴェングラーに飽きてくるとあの四楽章はいかしてますよ。（1960年・フィルハーモニア管）

Y：わかります。私もあの四楽章が大好きで、終わりのほうの、第一ヴァイオリンと他の弦楽器たちとの対話を聴いたときに、ああ、これが聴きたかったものだと。

U：絶対興奮しないしね。最後まで踏みしめていって、しかも冷静でね。でも中は猛烈温かいんだよ。駆け落ちするようなやつだからね。新婚の人妻を連れて駆け落ちするようなところがまだ残っているわけですよ。しかも、表面は冷静にやるから。

フルトヴェングラー

彼の「田園」の第一楽章を聴いてぶったまげたね。あの演奏は偉大な人生体験の一つだな。（1952年・ウィーンフィル）　

ワルターは夢みたいに美しいけどね。フルトヴェングラーの第一楽章は、人生を背負っているという感じですね。

昔、佐川吉男さんが編集長をしていた『ディスク』で対談を編集長としたが、私が「魔笛」は最高の音楽だと思うと言ったら、佐川さんは「私はザルツブルクの人形芝居しか観たことがない」と言うから、「おれはもう帰らせてもらう」と言った。
（笑）　

でも、僕も偉そうなことが言えないんだ。ブルックナーの話になって、「ブルックナーは要らない」と言った。（笑い）
ブルックナーがわからない、そんな時代だったのです。

クナッパーブッシュ（みんな知っている宇野功芳一押しの指揮者）

クナは、ワーグナーだけを尊敬していますね。ワーグナーのときはまったく恣意的なところがない。

ワーグナー以外は全部下に見ている。自分の遊び道具にしています。

だから、ベートーヴェンさえ一段下に見ています。
「第九の終楽章は、あんなひどい曲はない、だから指揮しない」と言っています。

彼は天才ですね。大天才です。

朝比奈隆

「ここはメロディだ、ここは伴奏だから少し弱くしよう」とかいうのが朝比奈のリハーサルにはないんですよ。

フォルテは「フォルテだぞ」と。

「トランペットがフォルテで下を向いて遠慮しながら吹いているから音が出なくなるんだ、堂々と吹け」と。

朝比奈がドイツ式だ、ドイツ風だとかいうのは全くの間違い。

ドイツ風に聴こえるだけであって、昔のドイツの指揮者はもっともっと、フルトヴェングラーでさえも主題と伴奏ということを絶えず考えて、その分だけスケールが小さくなっていたと思う。

ムラヴィンスキー

凄かったのはムラヴィンスキーですね、

何といっても。あのベーチーヴェンの「4番」はほんとうにもう、震えましたよ。

僕のいちばん嫌いなタイプの演奏なんです。

テンポが速くて、動かなくて、直線的で、歌わないし、とにかく即物的で、微笑みのない、ドラマのない。効果も狙わない。

それに痺れたんですよ。いかに彼が凄いか。

場内の空気は一変しました。最初の一音から。指揮者というものは凄いものですね。

ショスタコヴィッチの演奏は全部すばらしいけど、「5番」だけは僕はあまり買えない。あれは大衆的なおんがくですよ。それを高踏的に演奏している。

U：ショスタコヴィッチの「5番」はベートーヴェンの「5番」に比べるとずいぶん落ちる音楽だと思うよ。ベートーヴェンの第四楽章なんて凄いですよね。

僕は一時、「5番」より「エロイカ」のほうが好きだったんです。
ずーっとずーっと好きだったですよ。でもいまでは、「5番」のほうがやっぱり上だなあと思ってきた。

Y：なるほど。私はまだ修行が足らないせいか、「エロイカ」のほうが好きです。

U：修行じゃないです。歳です、アハハハハ。
（これは僕も同意見。ベートーヴェンの「5番」ほど最初から最後まで完璧な音楽は、僕は他に知らない）

シューリヒト

シューリヒトの名盤というと、やはり「エロイカ」と「田園」かな。

あの人はスピードでスーッといくから、「1番」もいいね。

「田園」がなぜかいいんです。非常にユニークな指揮者だね。
スーッと行っていながらいろんなことをやっているんだよ。目立たないように。
面白いですね。名人じゃないですか。やはり巨匠だな。

（「エロイカ」1963年フランス放送管、「田園」1957年パリ音楽院）

ベーム

ベームで感動したのは「田園」しかない。（77年のNHKホールでのライヴ）

カラヤン

カラヤンのベートーヴェンはまったく買わない。

バーンスタイン

バーンスタインで良くないのはベートーヴェンです。
NHKホールでの「3番」を聴いたことがありますが、非常に浅い、ヤンキーのベートーヴェンだった。アメリカの大衆性が悪く出てしまう。

だけれども、ウィーン・フィルを振った全集はオケがしっかりしているから、あれはあれなりに優れた演奏のひとつだと思う。

クライバー

U：ヴァントがいちばんいい例で、三流、二流、一流、超一流となる。
朝比奈先生も二流だったもんね。

60歳ぐらいから少しずつ一流になってきて、長生きしたおかげで曲によっては超一流になった。

Y：そういう意味ではカルロス・クライバーは、決して亡くなったとき若くはないですけれども、老い、円熟ということは一切なく、カルロス・クライバーという人がそのまま来て、そのままいなくなった。

U：ああいう天才型は大体そうだなあ。アルゲリッチもそうだし、ハイドシェックもそうだし、天才型というのは何か進歩しないんだ。

アバド
まったく買わないです。アバドは腑抜けだよね。
音は美しいよ。だから、「田園」は聴いていていやじゃないなあ。

チェリビダッケ

彼の「5番」と「田園」を聴きました。
いちばん面白いのは「5番」ですね。個性のかたまり。

ゲルギエフ

「エロイカ」を埼玉まで聴きにいったんです。旧スタイルなんですよ、ロシア人だから。

巨匠風かというと、全然そんなことはない。中途半端ですね。

小澤もそうですよ。ゲルギエフよりまだスケールが小さい。

マタチッチ

U：マタチッチは詰めが甘いんです。録音で聴くと、なんだかずいぶん怪しいところがある。

Y：彼は、それをそのまま放っておくようなところがありますね。

スメターチェク

あとは、スメターチェクを忘れてはいけない。
彼は、日本に来るたびに大感動した指揮者です。

チェコへ行ったと聞いた話ですが、ノイマンの政治力が強い。
スメターチェクにはまるでないんだって。

社会主義国家だったから、上の覚えがめでたくなくて、不遇だったと言っていた。楽員はみんな、実力はスメターチェクが全然上だと言っていましたけど。

Václav Smetáček - Dvorak Symphony No.9 From the New World
Symfonický orchestr Českého

宇野功芳：

僕はいつも、いちばん最終の判断は、知識のない、『レコ芸』なんか読まない、何にも知らない、ただ音楽が好きで音楽がわかる人が感動する演奏がいちばん凄いんだと思う。スタイルに関係なく。
http://kirakuossa.exblog.jp/20038456/

有山麻衣子（S） 幻のコンサート　佐藤和子（p）
・http://www.hmv.co.jp/artist_Soprano-Collection_000000000293859/item_%E6%9C%89%E5%B1%B1%E9%BA%BB%E8%A1%A3%E5%AD%90%EF%BC%88S%EF%BC%89-%E5%B9%BB%E3%81%AE%E3%82%B3%E3%83%B3%E3%82%B5%E3%83%BC%E3%83%88%E3%80%80%E4%BD%90%E8%97%A4%E5%92%8C%E5%AD%90%EF%BC%88p%EF%BC%89_1270807
・http://www.amazon.co.jp/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3-%E4%BC%81%E7%94%BB%E3%83%BB%E6%8C%87%E6%8F%AE-%E6%9C%89%E5%B1%B1%E9%BA%BB%E8%A1%A3%E5%AD%90-%E5%B9%BB%E3%81%AE%E3%82%B3%E3%83%B3%E3%82%B5%E3%83%BC%E3%83%88/dp/B00HY3QFJG

女神が導いたかのような《天使の歌声》
だれもが聞いたことのある、愛唱歌ばかり

宇野功芳 企画・指揮　有山麻衣子 幻のコンサート

「声の訓練を日常受けつづけるプロの歌手には、絶対こんな声は出ない。ぼくはクラシックの歌手にアレルギーを持っている人にこそ、このCD を聴かせたい。なまじ専門の声楽を習っている人は文句をつけるかも知れないが、芸術のいちばんの敵は常識なのだ。」―宇野功芳（ライナーノーツより）

宇野功芳の秘蔵っ子ソプラノ、有山麻衣子のソロ・コンサート・ライヴ・アルバム。

ノン・ヴィブラート、手垢にまみれぬ清楚な歌声で聴くなじみ親しんだ名曲の数々は、多くの人の心を惹きつけることでしょう。

有山麻衣子（ソプラノ）…宇野功芳に師事。東京をはじめ金沢、富山、横浜、埼玉でリサイタルを開催。また、アンサンブル・フィオレッティーにも参加し、各地で演奏活動を続けている。

曲目（作詞 / 作曲）

1. 花かげ（大村主計 / 豊田義一）
2. 十五夜お月さん（野口雨情 / 本居長世）
3. 雨ふり（北原白秋 / 中山晋平）
4. 花嫁人形（蕗谷虹次 / 杉山長谷夫）
5. 七つの子（野口雨情 / 本居長世）
6. リンゴのひとりごと（武内俊子 / 河村光陽）
7. きいろいきいろい歌（サトウハチロー / 中田喜直）
8. 月の沙漠（加藤まさを / 佐々木すぐる）
9. 摘草（小学唱歌［3 年］）
10. 虫のこゑ（小学唱歌［3 年］）
11. 牧場の朝（小学唱歌［4 年］）
12. 海（小学唱歌［5 年］）
13. 鯉のぼり（小学唱歌［6 年］）
14. 我は海の子（小学唱歌［6 年］）
15. さくら（日本古謡・中田喜直編）
16. 愛国の花（福田正夫 / 古関裕而）
17. 子守歌（野上彰 / 團伊玖磨）
18. 庭の千草（里見義 訳詞 / アイルランド民謡）
19. マリアの子守歌（べーリッツ［宇野通芳 訳詞］ / レーガー）
20. 春への憧れ（オーヴァべック［上山友昭 訳詞］/ モーツァルト）
21. バルバリーナのカヴァティーナ「落としてしまった、どうしよう」（モーツァルト）
22. ツェルリーナのアリア「ねえ、あなたおとなしくしていたら」（モーツァルト）
23. ピエ・イエス（慈悲深きイエスよ）（フォーレ）
24. バイレロ（オーヴェルニュ民謡［カントルーブ編］）

有山麻衣子（ソプラノ）
佐藤和子（ピアノ）
録音：2006 年3 月18 日ムラマツ・リサイタルホール新大阪（ライヴ）

ヨシ | 大分県 | 40代 | 2011年02月21日

このＣＤ 最初の方は普通にきれいな声の演奏かな？と思いながら聴いていました。しかし聴き進んでいるうちに 色んな感情がこみあげてきて 中盤の｢海｣のあたりになると 知らないうちに涙を流していました。なんと言う清らかな声！ こういう類の演奏は聴き手の感受性で評価が分かれるのでしょう。しかしこのＣＤに感動出来なかった方々は本当に可哀想だと思いまず。 因みに私はＢＯＳＥのＣＤラジオにＡＫＧのヘッドフォンで聴いています。
・http://www.hmv.co.jp/artist_Soprano-Collection_000000000293859/item_%E6%9C%89%E5%B1%B1%E9%BA%BB%E8%A1%A3%E5%AD%90%EF%BC%88S%EF%BC%89-%E5%B9%BB%E3%81%AE%E3%82%B3%E3%83%B3%E3%82%B5%E3%83%BC%E3%83%88%E3%80%80%E4%BD%90%E8%97%A4%E5%92%8C%E5%AD%90%EF%BC%88p%EF%BC%89_1270807

いちばん自然でいちばん美しい歌い方 投稿者 ケララ 投稿日 2014/7/6

喉奥を天にさらし額に青筋の正統派童謡歌手・正統派クラシック歌手なら世に無数で、誰を買っても誰を聴いても大差ない。いちばん自然でいちばん美しい歌い方はその中にありません。

それをついに見つけたと思ったのが、この方を聴いたとき。そしてもうお1人、雨宮知子さん。

童謡・唱歌は多くの方を聴き続けてきたが、今はこのお二方以外にありません。

ただ有山麻衣子さんは言葉が少し不明瞭気味なのが気がかりですが、最大限の軟らかさを保つためにやむをえないのかもしれません。鑑賞性には何の問題もありません。聞いたことのある童謡唱歌歌詞なら、1番から最後まですべて頭に入っているから。
・http://www.amazon.co.jp/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3-%E4%BC%81%E7%94%BB%E3%83%BB%E6%8C%87%E6%8F%AE-%E6%9C%89%E5%B1%B1%E9%BA%BB%E8%A1%A3%E5%AD%90-%E5%B9%BB%E3%81%AE%E3%82%B3%E3%83%B3%E3%82%B5%E3%83%BC%E3%83%88/dp/B00HY3QFJG

女性ボーカル 2014年10月07日

我が家には音楽好きのマニアがいろいろお見えになるが、総じて「女性ボーカル」は人気の的である。

先日のブログでも紹介したように「母親の胎内に居るときから女性の声を聴いているので大人になっても郷愁を覚えて安らかな気持ちになる」という説も十分頷けると思っている。

それに年齢を重ねていくと、オーケストラやオペラなど大掛かりな仕掛けを要する曲目と段々縁遠くなっていく傾向があるように思う。実をいうと自分の場合、近年こういう曲は聴く前から何だか気分が重たくなってくるのである。ベートーヴェンのシンフォニーなどは最たるもので、なかなかＣＤに手が伸ばないが、音楽鑑賞といっても重量級ともなると何かしらの心的エネルギーが要るのかもしれない。

さて、去る４日（土）に我が家に来てくれたオーディオ仲間たち（３名：福岡）にも女性ボーカルは総じて評判が良かった。

藤田恵美さんのＣＤもそうだが、とりわけ好評だったのが「有山麻衣子」さんの天使の歌声。

さすがに「宇野功芳」（音楽評論家）さんが見込んでＣＤ化しただけあって、

「まるで心が洗われるような声！変に技巧をこらしていないので清純、可憐そのもので実に曲目とマッチしている。」

と、感嘆の声が上がった。

内容は「十五夜お月さん」「七つの子」「牧場の朝」などの唱歌集（全２４曲）。

ちなみに、この分野では「鮫島有美子」さんが有名だが

「ＣＤを持ってるけど何だか魅力に乏しくて、何度も聴こうという気にならない。」

と、どなたかから発言があったが自分もまったく同感。

さすがに「宇野功芳」（音楽評論家）さんが見込んでＣＤ化しただけあって、「まるで心が洗われるような声！変に技巧をこらしていないので清純、可憐そのもので実に曲目とマッチしている。」と、感嘆の声が上がった。
・http://blog.goo.ne.jp/jbltakashi/e/03dfd899d1bda3013b65ef1fc7e7c299

持参していた「有山麻衣子」さんのＣＤをじっくりと聴かせていただいた。

このＣＤにはＫさんもゾッコンで大好評。この前の福岡の３人組も感心していたので、聴く人すべてが魅了されている。
・http://blog.goo.ne.jp/jbltakashi/e/9574a43deed89690fc4d8576b63935de

アルトゥーロ・トスカニーニ指揮、ウィーン・・フィルハーモニー管弦楽団

ウィーン国立歌劇場合唱団、演出ヘルベルト・グラーフ

ザラストロ（アレグザンダー・キプニス）
夜の女王（ユリア・オスヴァート）
パミーナ（ヤルミラ・ノヴォトナ）
タミーノ（ヘルゲ・ロスヴェンゲ）
パパゲーノ（ヴィリー・ドムグラーフ・ファスベンダー）
パパゲーナ（ドーラ・コマレク）

第一の侍女（ヒルデ・コネツニ）、第二の侍女（ステファニア・フラトニコヴァ）、第三の侍女（ケルスティン・トルボルク）

三人の童子（クルト・ペッヒ、アルバート・フュエル、フリッツ・マーシャ）

弁者（アルフレート・イェルガー）、モノスタトス（ウィリアム・ウェルニク）、司祭（リヒャルト・サラバ）、二人の武装した男（アントン・デルモータ、カール・ビッスティ）

1937年7月30日、ザルツブルグ音楽祭。NAXOSのHistorical。

▼付録のライナー・ノーツの音源の記録（英語）から：1937年にザルツブルグ音楽祭で制作された６つのオペラは8mmセレノフォン・フィルムで録音された。

６作とは、トスカニーニの『フィデリオ』『ファルスタッフ』『マイスタージンガー』『魔笛』とワルターの『ドン・ジョヴァンニ』『フィガロの結婚』である。

NBCはコピーを申請したが、事務員のタイプ・ミスで『フィデリオ』が落ちてしまったため、それは送られず、結局戦争で消失してしまった。他の録音はディスクに移された。この『魔笛』のテープはガードナー・コレクション（彼はトスカニーニが好んだ録音技師の一人）にあったもので、彼のトスカニーニの録音は1965年と1983年にリチャード・カニエルに遺贈された。

▼リチャード・カニエルのライナー・ノーツ"A full measure of magic" Toscanini and The Magic Flute（英語）から：ロンドンの｢タイムズ｣の音楽時評は1937年8月14日のコラムでこう述べていた。

｢トスカニーニの『魔笛』の再創造はヘルベルト・グラーフの舞台と共に、“魔法でいっぱい”であった。

トスカニーニ師はモーツアルトには水晶の明晰さがあるという見方を取った。

彼は『魔笛』のフリーメーソンの詩句のすべては厳粛に、序曲の冒頭から終幕の合唱まで、印象的な幅と威厳をもたらしただけでなく、すべてにおいてクリアであった。

明晰なテクスチュアが最も音楽的な効果を生み出した。

特にパパゲーノの歌はもちろん、モノスタトスの“誰でも恋をする”でさえ、想像力豊かな音楽となった。

夜の女王の第２のアリアは凄い速さで、人間の声の美しさと音楽的な能力の拡充の成果となった。・・・その効果は驚くべき美しさだった｣

▼宇野功芳の評価

　｢史上最悪の《魔笛》だな。こんなの聴いたことないよ。

　まず序曲ですね。癇癪もちのモーツアルト。速くて、せっかちで、モーツアルトではなくて完全にトスカニーニの音楽になっているね。

　序曲が終わって、大蛇に追われながらタミーノが登場します。このタミーノが大時代的なんだよ。｢俺は英雄だ｣っていっているようだね。

三人の侍女がそろいもそろってみんなずり上げ専門。

ぼくにはとうていモーツアルトとは思えない。ひどいよ。フォルテも強くてベートーヴェンのようだしね。

　第三曲、タミーノのアリアも表情をつけすぎ、語りすぎ、歌いすぎです。

　第五曲、五重唱、｢フム、フム、フム・・・｣は元気がよすぎる。音楽を汚しちゃているんだよね。

元気良く歌えばモーツアルトになるという、ひとつのパターンがあって、不必要に元気のいい表情をつけてしまう。だからしゃべりすぎてメロディーがわからないんですよ。五人全員が表情をつけすぎ、活発すぎ、そしてずり上げる。それから変なところで音がはずむ。それがモーツアルトだと思っているからね。

　第六曲ではモノスタトスが出てくるんだけれど。どういう音楽だかさっぱりわからないですよ。メロディーを崩してしまっているから。

パパゲーノと｢フー｣｢フー｣といい合うところは、ふざけすぎ。音程をなくしちゃってるんだ。ただ奇声をあげているだけ。

音程をなくしてどうします。ハーモニーになるところもあるんだからね。
しかも、最後にアッチェレランドまでかけるんだ。

　第七曲の『愛を知るものは』というパミーナとパパゲーノの二重唱ですが、音楽の美しさがまるでわからないですね。

奴隷たちが出てきてパパゲーノが鈴を振る。この鈴の音がひどい。

チンドン屋です。音を硬くし、しかも音程を狂わせているんだな。

これはほんとうにひどいです。
トスカニーニは音楽を破壊するためにやっているようなものですよ。

　三人の童子はウィーン少年合唱団が歌っています。これが出て来るとホッとするんだ。さすがに少年はずり上げないですよ。そこだけまともな音楽という感じがする。

　第ニ幕に入ってきて、第十四曲、夜の女王のアリアは細かい音程がいい加減ですね。

　第十五曲、ザラストロはいかにも偉そう。
｢俺は偉いんだぞ｣といっているようです。タミーノと同じで大時代的。

　第十七曲、パミーナのアリアは、悲しみによよと泣き崩れるようですな。まあそれはそれでいいと思いましたよ。

　許せないのは第二十曲、パパゲーノのアリアの合間に聞かれる鍵盤付きグロッケンシュピールだ（鍵盤付きの鉄琴）。

歌と音程が違うんですよね。半音くらい低いんですよ。違う調がなるんだ。

ほんと、腹立たしくなって、ＣＤを叩き壊したくなったよ。

パパゲーノが｢恋人が欲しい｣と哀れっぽく歌うんだけれど。
これが泣いているんだか、笑っているんだかわからないんですよ。
表情をたくさんつければいいと思っているんですよねえ。

　面白いと思ったのは、超一流の指揮者で、しかもオペラの悪しき慣習を改革していったトスカニーニと、天下のウィーンフィルが、こういう音程のずれた音楽をわざわざ求めているということですね。

ぼくだったら怒りますよ。ぼくが聴衆だったらブーイングだし、指揮者だったらそんなことはさせない。

ということはぼくが日本人だからかな、とも思った。

本場の人はそういうのは超越しちゃうのかな、

トスカニーニやウィーンフィルみたいに、あんな耳のいい連中が怒らないでやっているわけでしょ。こっちは気持ち悪くてＣＤを叩き壊してやりたいと思っているのに、これは面白い現象だと思った。

　とにかく、このパパゲーノのアリアをみんなに聞いて欲しいな。

日本人はみんな癪にさわると思うよ。

今のウィーンの人たちにもこれを聴かせたいね。それでどう思うのか聞いてみたい。とても耐えられないというかもしれないしね。

　第二幕の最後に大合唱があるでしょう。コーラスが全員ずり上げるんですよ。

馬鹿じゃないかと思うね。だいたいモーツアルトの演奏というのは、基本が清潔でないと駄目なんですよ。その清潔さの中で気持ちをこめていかないと。みんなでずり上げたんじゃぶち壊しですよ｣
http://homepage3.nifty.com/akiraikeda/music/magiccd.htm


______________

モーツァルト 魔笛2

ブルーノ・ワルター指揮、メトロポリタン歌劇場、マチネー興業（昼興業）の放送

ザラストロ（ジェローム・ハインズ）
夜の女王（ロバータ・ピータース）
パミーナ（ルシーネ・アマーラ）
タミーノ（ブライアン・サリヴァン）
パパゲーノ（テオドール・ウップマン）
パパゲーナ（ローレル・ハーレイ）、弁者（ジョージ・ロンドン）
モノスタトス（ポール・フランク）

第一の侍女（ハイディ・クラル）、第二の侍女（マデレーン・チェンバーズ）、第三の侍女（サンドラ・ウォーフィールド）

童子（エミリア・クンダリ、ロザリンド・エリアス、マーガレット・ロッジェーロ）
司祭（ジェイムズ・マックラケン、オシー・ホーキンス）、護衛（アルベルト・ダ・コスタ、ルイス・スガッロ）、奴隷（ヘンリー・アーサー、ジョン・フライデル、ハル・ロバーツ）

1956年3月3日

2006年のWest　Hill　Radio　ArchivesのCD

▼リフレッシュ盤である。

ライナーノーツの宇野功方氏の評価、

　“歌手全員がワルター・チームの一員として機能し、雄弁なドラマを展開しており、タミーノ、パミーナ、夜の女王などは本当に満足できる。

でも、真の主役はもちろんブルーノ・ワルターだ。

録音日は3月3日、例のニューヨーク・フィルとの｢ジュピター｣をスタジオ録音する2日前であり（ちなみに同曲のライヴは1日と２日）。あの男性的な迫力と豊麗な歌に満ちた演奏をそのままオペラに移し替えたものということができよう。いや、ここにはもっと激しい、切羽つまったものがある。

　たとえば、｢序曲｣の導入部。まるでベートーヴェンのようなぶ厚い響きと金管の競奏。主部に入ってからのアクセントの強調やアッチレランドによる追いこみ、そして途中のアダージョの菅合奏で、三小節目にフルートが加わると金管を押さえるという芸の細かさ、ニュアンスの多彩さ、それらがオペラ全曲に及ぶのである。

　第一幕があく。ワルターは曲の終わりまでのすべてを見通している。全体を大きくつかんで、その上に立って細部を組み立ててゆく。したがって、全体が網の目のように有機的につながっており、部分的に聞くとワルターの表現に入り込めず、大きな感銘を得ることができない。”

　“歌手の表情に大時代的なずり上げなどが目立ったり、三人の童子に女声歌手を使っているのは良いとしても、ヴィヴラートなどの人間味が出すぎていたり、パパゲーノの声質に問題があったり。さらにはいくらライヴとはいえ、歌手とオケとのずれや、プレイヤーのミスが多すぎるなど、技術面では現今の水準には達していない。また、50年代は世界中が訳詞上演全盛であり、英語で歌っていることも多少の抵抗はある。”

　“ワルターの『魔笛』ほどオーケストラがものを言っている演奏は他にはあるまい。弦も菅もあらゆる声部が歌いぬく。モーツァルトが散りばめたすべての旋律が人間の声のように歌い尽くされる。それは立体的で豊麗なハーモニーがつけられ、一方においては威厳に満ちた厳しいダイナミズムが対比される。フレーズも余韻とともに消えるかと思えば、スタッカートできっぱりと立ち切られる。このように柔と剛、女性的なるものと男性的なるものが少しも反発し合うことなく、見事に溶け合っていて、表現をいよいよ多彩なものにしているのである。

　例えば、第二幕のパパゲーノのアリア｢恋人か女房か｣において、弱く引き始められるチェレスタが、曲の進むにつれて鉄琴を加え、パパゲーノの夢をふくらませてゆく。｢二人の武士｣の金管強奏、恋人を探し求めるパパゲーノの歌のスピード感、｢パ、パ、パの二重唱｣の加速、終幕の最後の遅めのテンポの妙、実に素晴らしさの限りである。

　ワルターは『魔笛』をモーツァルトの遺言と考えていた。そしてモーツァルトの音楽につけられたロココの衣装を剥ぎ取り、ベートーヴェンにも匹敵するシンフォニックな迫力と楽器の抉り（えぐり＝意表をつく表現をする）を優先させた。それは典雅、優美なモーツァルト演奏への挑戦であった。ワルターのおかげで、モーツァルトは真の偉大さを獲得したのである。

　もちろんノリントン、クリスティのような古楽演奏による純粋音楽美を聴き慣れた今日、ワルターの表現は、ベートーヴェンに近づけようとする意志の強すぎるというのか、あまりにスケール雄大、あまりに堂々とした威容を誇りすぎているいるかもしれない。しかし、第一幕の三人の侍女の三重唱や、その後のタミーノとパミーナを加えた五重唱を始めとして、最近流行の妙なデリカシーや弱音過多ｇたなく、モーツァルトの音楽がどこまでの豊かにあふれ出ている点を、僕は何よりも高く評価したい。

久しぶりに耳にしたワルターの『魔笛』は、ここに旧スタイルによるベストＣＤとして見事に蘇ったのである。”（2006年）
http://homepage3.nifty.com/akiraikeda/music/magiccd.htm

　宇野功芳（うの・こうほう）。日本のクラシック音楽ファンで宇野を知らない人はいないと思われる評論家だ。演奏の良しあしを一瞬で聴き分け、熱く語り、時には一刀両断で切り捨てる。独特の文体を未確認飛行物体（ＵＦＯ）になぞらえ、ＵＮＯと呼ぶ人も。

■「語りの名人」だった父の衣鉢継ぐ

　５月に85歳を祝った今年、演奏家や作曲家、同業者と対談あるいは往復書簡で激論を交わした対話集「演奏の本質」（音楽之友社）を出版したのに続き、大阪交響楽団を指揮したベートーヴェンの「交響曲第９番『合唱付き』」（オクタヴィア）、仙台フィルハーモニー管弦楽団を指揮し、ヴァイオリンの佐藤久成（ひさや）と共演した「宇和島ライブ2015」（キング・インターナショナル）の新譜ＣＤ２点を発売。かくしゃくとしている。

「よい演奏」を語るとき

　宇野が実のところ、二世アーティストであることはあまり知られていない。父は映画の弁士から解説者、漫談家として名をなした牧野周一（1905〜75年）。弟子のポール牧、牧伸二が「牧」の一文字を受け継いだほどの語りの名人だった。宇野によれば「映画解説者はお笑い芸人ではないから、人を笑わせる才能には欠けたが、物語を生き生きと再現するのは、とても上手だった。70歳で亡くなる前日まで現役を貫いた」という。「この演奏の良さがわからない者は、呪われてしまえ」「切ればサッと血のほとばしるような演奏」「光彩陸離たる棒さばき」……。「ＵＮＯ語」は間違いなく、牧野の衣鉢である。

　音楽好きでレコード収集にも熱心な父の影響で、童謡会に入って歌い出したのが４歳。かつて父が受験に失敗した進学校、東京府立第四中学（現在の東京都立戸山高校）に入学したものの合唱に熱中し、合唱指揮者を将来の目標に定めた。せっかく合格した大学も「合唱部の水準が低い」との理由でやめ、６年がかりで国立音楽大学声楽科に入学した。

　在学中に結核で療養生活を送った時期、たまたま書いた文章が注目を浴び、1950年代前半から音楽評論活動を始めた。批評キャリアは60年を超えるが、「音楽評論を本業と思ったことは一度もない。いつクビになっても構わないけど、合唱指揮者だけはクビになりたくない」と、宇野自身は絶えず公言する。いくつもの合唱団を指揮してレコードを制作、高田三郎作曲「水のいのち」をはじめ、名盤とされる録音も多い。合唱指揮においても自らの感性を最大限に発揮し、作曲者の指定とは異なる表現にあえて踏み込む瞬間がある。

■朝比奈隆の巨匠性を世に広める

　一方、評論の分野ではドイツ・オーストリア系の交響曲を偏愛してきた。まだ評価の定まらなかった朝比奈隆をブルーノ・ワルターやハンス・クナッパーツブッシュ、オットー・クレンペラー、ロヴロ・フォン・マタチッチら歴代の巨匠と同列に論じ、世に広めた。

　合唱指揮のキャリア、ドイツ音楽への傾倒の両面から「いっそのこと、自分でオーケストラを指揮してみてはどうか」との声が日増しに高まり、アマチュアの日本大学管弦楽団を初めて指揮したのは78年だった。

　オーケストラ指揮デビューから何年間かは「この部分はクナッパーツブッシュ風」「追い込みの加速はフルトヴェングラー調」「ポルタメント（滑るように少しずつ音程を変えていく奏法）はメンゲルベルク流」など、長年の評論体験を通じて感動、感心した表現の数々がモザイク、もっと悪い言葉を使えば「福笑い」のように羅列されていて、統一感を欠いた。最近の演奏にも「奇跡の名演」から「音楽への冒涜（ぼうとく）」まで毀誉褒貶（きよほうへん）の評価が渦巻くが、「やりたい放題」のＵＮＯワールドでは一貫する。

　本人は「オーケストラ指揮も最初、『本業ではないから』と逃げ腰だった。でも80歳を過ぎて、それでは格好悪いでしょ？　心を入れ替えて本腰を入れ、微妙なアヤの部分まで練り上げた解釈をＣＤに残したくなった」と、指揮者としての「円熟」を分析する。「合唱で自分の気迫、音、色彩を出せるようになったのは80年ころ。オーケストラの指揮でも『ああ、いい音が出ているな』と思えたのは、ごく最近のことだよ」と、打ち明ける。

「つまらない演奏」に失望するとき

　「音楽評論を続けてきて良かったのは、悪い演奏をたくさん聴き、ダメな演奏のデータを蓄積できたことかな？　どうしてこの人、こんなにつまらないのかと考え、少なくとも自分はそうした愚をおかさないよう努められるからね」。いよいよ、言いたい放題だ。

　例えばベートーヴェンの「交響曲第７番」。80歳の2011年９月19日、東京の上野学園石橋メモリアルホールで「宇野功芳傘寿記念日本大学ＯＢ管弦楽団」を指揮したライヴ録音盤（キング・インターナショナル）と、今年４月11日に愛媛県の宇和島市立南予文化会館で仙台フィルを指揮したライヴ録音（同）を聴き比べる。部分的に近衛秀麿改訂版を引用したり、テンポを激しく動かしたりする基本は変わらないが、最新盤では唐突さが影を潜め、楽曲全体の構造をより尊重しようとする姿勢が際立つ。

　カップリングのチャイコフスキーの協奏曲は、対話集にも登場した佐藤の独奏。これまで数々の小品集、室内楽のＣＤで激烈な演奏を繰り広げ、宇野の「お気に入り」となった佐藤だが、対話集ではオーストリアの音楽学者シェンカーの演奏理論を延々と説くなど、学究肌の意外な一面をかいま見せる。チャイコフスキーでも悪趣味な名人芸には背を向け、独自に究めたスローテンポの解釈でオーケストラの大音量と渡り合い、堂々の協奏曲初録音に仕上げた。伴奏指揮の宇野は拍子抜けするくらいに控えめで、ただただ佐藤の個性を際立たせる側に徹した。

　３カ月後の７月４日、大阪・いずみホールで収録したベートーヴェンの「第９」は中規模の演奏会場の特性を生かして威圧感をそぎ、モーツァルトのように清新な解釈を指向する。時々、往年の巨匠指揮者の大技を模したはったりが顔を出すが、基本は美しく透明な響きと、丁寧なフレーズの弾かせ方だ。合唱団は絶叫せず、独唱者も小ぶりで大歌手４人が声を張り合う「いやらしさ」（宇野）を排し、「品のいい音楽」をひたすら目指す。

■「いい音」を得て深まるＵＮＯワールド

　オーケストラ指揮でのＵＮＯ語法もいよいよ、円熟境にさしかかったらしい。「なかなかさわやかな『第９』でした」と感想を伝えると、「いやあ、オーケストラが良い音を出してくれたからだよ」と照れた。ふと評論家の表情に戻り、「ここ何年かで日本はもとより、世界のオーケストラが格段にうまくなった。複雑に音が入り組んだマーラー、ショスタコーヴィチの交響曲には以前にも名盤が存在したが、指揮者の解釈はともかく、オーケストラの性能は十分とはいえなかった。今ようやく、作曲者の意図した音が細大漏らさず、出てくるようになった気がする」と、「いい音」が得られた背景を語りだした。

　オーケストラの指揮で「いい音を引き出せる手応え」を深め、実際に楽団の性能も向上しているのであれば、卒寿（90歳）を目がけ、さらなるＵＮＯワールドの展開を期待したいところ。本人は「文章も演奏会も、若い人が読んだり来たりしてくれなくては、さびしい」といい、あくまで新たな音楽ファンに出会うための「やりたい放題」だとしている。
http://style.nikkei.com/article/DGXMZO92976910Z11C15A0000000

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Tuesday, August 2nd 2016
連載　許光俊の言いたい放題　第249回
http://www.hmv.co.jp/en/news/article/1608020019/

　ここ３０年以上、日本でももっとも影響力があった音楽評論家は、吉田秀和と宇野功芳のふたりである。これはもう間違いがない事実だ。

　しかし、このふたりは実に対照的だった。吉田の主戦場は新聞と文芸誌と放送。それに対して宇野は音楽雑誌。吉田はいかにもな教養人でインテリだったが、宇野はインテリを嫌った。吉田の評論を好む人は宇野を馬鹿にし、またその逆でもあった。吉田は、「クラシックも聴く教養主義者」にもアピールしたが、宇野はマニアに愛読されることが多かった。意外な共通点は、ふたりとも文中でときたま、自分は体が弱いと言っていたのに、長生きしたことか。

　ふたりとも、自分のスタイル＝文体を持っていたが、それも対照的だった。吉田の文章は、息が長い。まず何かテーゼを立て（たいがいは、「世の中ではこう言われている・・・これが通説である・・・」）、それをめぐって展開することが多い。「それは確かにそうで云々・・・しかし」というイエス・バット型で書くのが好きだった。ただし、文章ではそういうふうに書いても、しゃべるときは先に結論を言う。書き言葉と話し言葉の使い分けをしていたのだ。うまい。賢い。

　宇野の場合は、結論を隠さず、先に書いてしまうことが多い。刺激的な比喩が連発される。しかも、「この曲の録音のベスト３は・・・」といった、これ以上なくわかりやすい文章だ。褒めるものは徹底的に褒め、けなすものは猛烈にけなした。吉田がしばしばあえてぬるく書くのとは正反対だった。

　宇野は感覚的人間だったから、時々、誰も指摘しない鋭いことを何気なく書いたが、おそらく本人は、それがどれくらい鋭いか気づいていなかっただろう。他方、吉田は自分が書く言葉の意味をすべてよく知っていたと思う。

　吉田は演奏の全体性を無視できなかったが、宇野は瞬間的な誘惑に思う存分身をゆだねた。人には固有の時間感覚がある。

　このふたりの文章はこれからも長く読み継がれていくことだろう。残念ながら、そう書くことはできない。評論家は、たとえその時代にどれほど影響力があっても、死ねば終わってしまうのが常だ。音楽に限った話でもない。今、野村光一や江藤淳の評論をありがたる人など、ほとんどいまい。読めば読んだでおもしろい。でも、何か古い新聞のようなのだ。知らず知らずのうちに時代は動いている。評論家はその中で生きていてなんぼの仕事である。そこが創作家と違うところだ。

　私はどちらとも個人的に知り合う機会がなかったが、そういう機会を作ろうとも思わなかった。評論家なのだから、文章だけ読んでいればいいのである。

　さて、一度書いておかなくてはと思っていたのが、その宇野が指揮をし、佐藤久成がソロを弾いたチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲についてだ。もう１年近く前に発売された盤だ。

　実は私はこの曲が苦手である。チャイコフスキーは好きだが、ヴァイオリン協奏曲は嫌いなのである。聴くのがほとんど苦痛なのである。イライラするのである。理由ははっきりしている。第１楽章でバリバリ弾きまくる独奏、これが私にはほとんど練習（曲）にしか聞こえないのである。左手を鍛えるために、むやみと上がったり下がったり・・・。

　言い換えると、とりあえず音符はたくさん書かれているが、チャイコフスキーはあまり書きたいことがなかったのではないかと思ってしまうのである。言うことがないから、むやみと指の運動にかまけてしまったのではないか。この点が、同じようにロマンティックなヴァイオリン協奏曲として人気があるシベリウスの作品とは全然違う。シベリウスのほうは、まったく無駄を感じさせない。実はチャイコフスキーは、バレエ作品を見ればわかる通り、つじつまを合わせるためにとりあえず音符を書いてしまうことをした人だった。そういうときはいかにも気が乗らない様子が漂う。

　ところが、佐藤の録音は、この曲にはうんざりする私にとって、非常に例外的な演奏だったのだ。今までの彼の演奏を聴いたことがある人なら容易に想像できる通り、大きく伸縮し、細部まで意志を徹底し、意味づけする。そんな方法を小曲ではなく、この規模の曲で行うとどうなるか。実に不思議なことになる。たとえば、最初の登場からしてそうなのだが、基本テンポがわからないという奇妙な錯覚にとらわれる。たとえば、私が現代最高のヴァイオリニストと信じて疑わないムターの場合、どれほど音楽を崩しても、基本テンポが常に生きている。それがあっての逸脱ということがはっきりしている。これが、まずは演奏の王道だろう。ところが、佐藤の場合は、異様にたっぷりと音符を鳴らし、粘り、歌い、G線ではブレーキがかかったようにうなり、思いがけない音が強調されるので、しばしば何の曲を聴いているかわからなくなる。あの１９世紀音楽の典型的なスコアが目の前に浮かんでこない。

　まだ始まって数分なのに、時間感覚が失われてしまう。よく知っている曲なのに、今どこにいるかがわからなくなってしまう。オーケストラだけのところになると、いきなり夢が覚めたみたいに普通の音楽に戻るので面食らってしまう。第１楽章の演奏時間は約２０分だが、とうてい２０分には感じられないはずだ。はっと気づくとまだ終わっていない・・・。退屈というものでもない、この不思議さ。

　第２楽章では、ひとつの音符がひとつの音ではなく、音色や強さを変えていく。最近有名になったヴァイオリニストの中には、まるでピアノのように、すなわち、ひとつの音の複雑さ、微妙な音程の上げ下げに無関心なヴァイオリンを弾く者が少なくない。しかし、それではヴァイオリンの表現力や可能性は大幅に割り引かれてしまう。蟻が這うようなスピードで奏されるソロについていくオーケストラには緊張感が漂う。そりゃそうでしょう。

　この楽章の終わりのほうは、まるでシューベルト「冬の旅」のとぼとぼした歩みのようでびっくりだ。そして、顔を上げると窓には光。幸せそうな笑い声。情けなさにこぼれる涙。そんな私小説的なシーンが連想されてしまう。そう、これはまさしくヴァイオリンによるオペラのアリアなのである。

　フィナーレも音楽を大きく揺さぶる。印刷された白と黒の楽譜ではなく、もっとライヴな音楽の感じがする。おそらく１９世紀の演奏は少なからずこのようなものだったのではないか。リスト、パガニーニ、ラフマニノフ・・・大演奏家の演奏は魔法と呼ばれることが多かった。そんなことを思い出させる。

　それにしても、なんだか人がよく死ぬ去年から今年。最近も打楽器のペーター・ザドロ、中村紘子・・・追悼文も追いつかない。

（きょみつとし　音楽評論家、慶応大学教授）
http://www.hmv.co.jp/en/news/article/1608020019/

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宇野功芳さんとの和解 2016年06月13日
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クラシック音楽評論家の宇野功芳が亡くなった。
不死身かと思うような活動ぶりだったのではあるが、不死身ということはないとわかる。

他所のコメントで書いたのだが、けっこう個人的な内容なので、自分の日記に移すことにした。

私のクラシック音楽観の４９％ぐらいはこの人と共有してきた気がする。

講談社現代新書で出た名曲名盤的な本が大ブレイクしたのではと思うが、私は諸井誠の「交響曲名曲名盤１００」がバイブルだったので、諸井氏が推すカラヤン・ショルティ・アバド・レヴァインあたりの権威を、現代風の無機的なものだと、アクの強い文章で一刀両断した宇野氏はどうしても許せなかった。
大学時代に、気取ったクラシック青年と知り合いだったが、彼が宇野氏の信奉者で、ハイドシェックなどの怪しい？ＣＤを持っているのにも失笑していた。
とはいえ、カラヤンのスタジオ録音のベートーヴェンがつまらないとか、小沢征爾より朝比奈隆の不器用さに感動するとかいうのは、同意できたので、どうにも気になって、隠れて何冊も読んでいた。

高校生から大学生にかけて読んだため、自分の発想自体が評論家的・アマチュア主義的になったところもあり、そういう意味では、自分を不良（ワル）くした大人の一人かもしれない。

アバドの若手室内オケとのハイドンを褒めるなど、嫌いな演奏家をたまにもちあげるとよい味があった。

亡くなったことで、単純に和解した気がする。
こういうことはあるのだなと思う。
こういう、精神が自由で、権威におもねらず、一生懸命活動してる人は本来的に好きだったのだ。

宇野評価軸のひとつで、カルロス・クライバーは「真の天才、ただし、深みは往年の巨匠たちに及ばない、指揮姿が美しすぎて音楽が過大評価を受けている、オペラのほうが良い」みたいなことになっている。
私はクライバーの信奉者なので、この「ただし」以降が許せなかったし、気にもなっていた。

最近、クライバーとシカゴ響の「運命」海賊盤を久々で気まぐれに聴いて、強い印象を受けた。
これはマスターテープを変な加工なしで発売できたら、有名なスタジオ録音を、ラディカルさでは一蹴するだろう。

気になっていた「大地の歌」（１９６７年ライブ録音で、初期海賊盤はひどい音）の正規？盤と、椿姫（１９８５年あたりの客席録音？）を購入。

「大地の歌」は、聴ける程度の音になっている。
「椿姫」も、割れているが臨場感のある音で、流れるような音楽性は伝わる。
調べると、クライバーの演奏記録は、ほとんどがオペラで、オケコンサートは数えるほどしかない。
宇野氏の言うように、オペラが本領の人だったのは確かだと、はじめてわかった。

オペラはわからず、再生環境もよくなかったので、聴かずにとっておいていた。
ミュージカルを聞き込んだことで、オペラがわかるようになった。

もう、若いころのように、クライバーや宇野氏のようなカリスマに強い影響を受けることもないだろう。
演奏は、それこそ世界に一つだけの花であって、ベスト盤を競うことにさほど意味もないとも気づいた。
しかし、まだ未聴の名曲名盤の宝庫がオペラにたくさんある。
クラシックの趣味のよいところかもしれない。

コメント

mixiユーザー2016年06月13日 20:43

カルロス・クライバーはフェスティバルホールで観ました（ベト4，7）。
あんな美しい指揮姿を見たことはなかったし、これからもないでしょう。
演奏は必ずしも最高ではなかったのですが。
「指揮姿が美しすぎて音楽が過大評価を受けている」
というのは、たしかにそうだと思いました。
あくまでナマ体験の話ですが。
そういう体験をすると、宇野氏のコメントはうなずけるものがあります。

mixiユーザー2016年06月13日 22:45

> mixiユーザー　

生で聴かれたのはうらやましいの一言です。
私は、クライバーもバーンスタインも、チケットは持っていて、キャンセルです。オーディオにはまった原因でしょう。のちに、ニューヨークのブロードウェイで、生で聴いたが吐き気でフラフラだったということもあります。そういう人生みたいです。

クライバーは、椿姫やこうもりやらで、軽やかな響きで胸に染み入るみたいなのが芸風なのだと思います。
ファンにとってはベートーヴェンもブラームスも大事ですが。

mixiユーザー2016年06月14日 03:06

ＢＳのＮＨＫでクラシックコンサートを見ると、時間合わせに演奏家のドキュメントをよく放送してます。「Traces to nowhere」というのがクライバーで、ウィーンフィルとの確執とか、バイエルン時代のうっとりするような演奏している姿とか、「欠点があるとすれば女癖の悪さだけね」とかいう歌手の話とか、テンコモリで面白かったです。

私は彼のスタジオ録音はあんまり好きでなくて、ライブのベートーベン４番とか、最近聞いた「こうもり」がとても好きです。彼はおそらく自殺で、奥さんの死がその引き金だったようです。奥さんは、なんであのクライバーがこの人と、と皆が驚くほどに静かな人でした。売れないオペラ歌手だったか。

想像ですけれど、彼の内面はその奥さんに惹かれたのでしょう。外では、美し過ぎる指揮姿、と言われ、浮名も流してそれもクライバーの確かな一面ながら、晩年につながる種と言うのか本質は、若い頃からあったのかなと思います。確か、とても指揮を嫌がる人だったと、ドキュメントでも言ってました。「冷蔵庫がカラにならないと指揮しない」と、カラヤンに揶揄されてますが、本当に指揮は嫌だったのでしょう。

それやこれやを考えると、クライバーは天才という部類に入ると思います。フルトヴェングラーも。世間との不適合と言う意味で。トスカニーニとカラヤンは入らないと思います。あくまでも私の主観ですが。「Traces to nowhere」とは、行き場がない、ですね。クライバーとしては。

mixiユーザー2016年06月15日 02:16

> mixiユーザー　

ドキュメンタリーはもうひつありますが、思い切ったタイトルだなと思います。
全盛期を知ってる人は、あんなに幸福で生気に満ちた人はいないと思うでしょうが。

私は、シューベルトの「未完成」とか、最晩年のスロヴェニアフィルとのブラ４なんかは好きです。
まさにTraces　ｔｏ　ｎｏｗｈｅｒｅって感じがします。

mixiユーザー2016年06月20日 16:19

われわれの世代は多感な時期に例のベストセラーにたいそう影響を受け、中には信奉といえるまで入れ込む者もおりました。ちょっと滑稽でしたね。個人の趣味のスタイルを完全に影響下に置くようなインパクトのある評論だったとも言えます。
今ふりかえると「フルトヴェングラーかワルターか」という次元の話なのですが、兎に角、今のシーンは随分遠いところに来たものだと思います。

mixiユーザー2016年06月22日 02:16

> mixiユーザー　

最近、地下鉄のトイレで、「そういえば、ベストＣＤとかって考える必要ないのでは？」と思いました。ベストＣＤとかを決めねばならない、という思い込みをここまで与えられていたとは・・・　　あっぱれです。

https://open.mixi.jp/user/5343821/diary/1953389990?org_id=1953541938

僕がクラシックを聴き始めてまず基礎的な知識を仕入れたのはレコード芸術という月刊誌だった。多彩な評論家のレコード評を読みながらなるほどそういうものかと覚えていったから実用的な教科書みたいなものだった。

文章を読むのは入門には有益だ。クラシック音楽は楽譜と同じぐらいに言葉によって存立している。百年も二百年も前に作られて以来、数多の人が投げかけた無尽蔵の感嘆詞や文章の集積、集大成がそれをクラシックたらしめているといって過言ではないだろう。

だから我々は名曲を耳だけでなく評論という形で目からも覚えることができる。そのほうが記憶は強化できるのだ。ワインといっしょで、世間ではどういうものが三ツ星なのかを知って自分の耳で覚える。今度は別な演奏をその記憶と照らし合わせてみる。それが圧倒的に速い方法であることは僕だけでなく多くの友人が実証している。

レコ芸の論者はいろいろ個性的な方がおられた。評論家は商売なのにコマーシャリズムを見下す大木正興さんの評論の立ち位置は微妙だったが、あの硬派な権威主義とアカデミズム、一刀両断のスタンスには有無を言わせぬものがあった。原稿料で食ってもそれが自分の美学を揺るがすことはないという頑とした矜持は当時の僕にはどこか知的で格好良くもあった。あれはさすが美学科だ。

仏文科の吉田秀和さんは月評は書かない、彼はむしろ音楽に博識の文人、文学者だが、東京帝国大学という官僚養成学校の欧州文明文化の翻訳・解釈に根差した教養がご両人ともベースにあるのは同じだろう。僕は大木さんのスタンスの方が肌に合い、彼のドイツ礼賛と米国蔑視は徹底していたものだからその影響ももろにかぶった。第２外国語がなんとなくドイツ語になったのはそのせいだし、後に米国留学してもそれがなかなかぬけずに困ったものだ。

東大色濃厚のご両人に対し先日他界された宇野功芳さんはリベラルで主情的で正直のところやや軽く見ていた。ただ、他の先生たちよりも文章がわかりやすくお堅いクラシックを大衆芸能みたいにイメージさせる強みは絶大で、聞く前から聞いた気にさせてくれる。大木さん、吉田さんだと知らない自分が恥ずかしい風になるが、宇野さんは文章と一緒に聞いている気分になってくるので読んで抵抗がない。これは才能だと思った。

とくに宇野さんを見直したのは、自分で指揮をされるのを知ってからだ。音楽＝教養というのは変だと思い始めていた頃で、そういうスタンスで教わったから自分は音楽の授業が嫌いだったのだと気がついたのがきっかけだ。プレーヤーの言葉、評論こそ読みたいものだと思い至るようになっていたから、指揮者でもある宇野さんのそれに謙虚になった。

彼の演奏を聞いてみると、趣味はまったくあわないが評論内容とは言行一致しており、自分丸出しでやりたい放題のすがすがしさが気に入った。なるほど音楽は「するもの」だと思い、ピアノを練習しスコアをじっくり読み始めたのはそこからだ。だから僕は六法全書より楽理書のほうが詳しくなった。これは彼のおかげといえる。

caplanその路線でいうなら、米国の経済誌インスティテューショナル・インベスター社の創業者ギルバート・キャプラン氏はあこがれの人だった。音楽教育は受けていないが偏愛するマーラー交響曲第２番「復活」のみを専門に振る指揮者として著名であり、私財で購入したマーラー自筆譜を元にした新校訂版「キャプラン版」での録音をウィーン・フィル（！）とドイッチェ・グラモフォンに行っているスーパー素人である（右）。

指揮は習う必要があるので時間がない。そこで向かったのがシンセサイザーによるMIDI録音・演奏だ。９１年ごろで当時そんな機具を買うのは専門家だけだった。やってみるとこちらも時間を要したが十分の満足感があった。全パートを耳で合わせながら弾くのだからオーケストラのスコアがわかるようになったが、それよりもそれをやることでピアノがもう少し弾けるようになったのが助かった。それで未完成やエロイカや悲愴交響曲の一部を弾いたりしながら、楽譜上の数々のことが腑に落ちた。

すると、だんだん他人の演奏や評論は興味がなくなり、スコアだけ見ていてイマジネーションをふくらませて、「答え合わせ」に他人のを聴くということになった。実際にシンセで録音してから誰かのCDを聞くとどういうわけかそっちもシンセ録音に聞こえてきて（耳がそういう処理をしてしまうようだ）、もちろんその刹那は自分の演奏のほうが良いと思っていた。いまそれを聴くと不遜なことだったと恥じ入るばかりだが。

そうこうしてふりかえると、もう大木氏や吉田氏や宇野氏のような聴き方をしていない自分になっていた。それがドイツ駐在の４０才あたりだ。だからフランクフルトにいた３年間は、ドイツの森を歩きワーグナーの楽劇を知り、ベートーベンやメンデルスゾーンやシューマンやブラームスと同じものを食べて同じ空気を呼吸して、家にいる間は四六時中シンセ音楽作りに没頭して音楽の聴き方に決定的な転換点がもたらされた、僕の人生にとってもメルクマールとなる３年間だった。

そんなことをしながら初めて現法の社長という仕事をやったというのも嘘のようだが、自画自賛になるが必死にやって成果も出した。充実した手ごたえが残っているし、３８才の小僧が会社のおかげで成長もさせていただいた。実は東京で辞令が出た時に、ドイツへ行くのが不服で会社を辞めようかと考えた。そうしなかったのはそこまでの自信も勇気もなかったからだが、今となると大正解だった。シンセで多大な時間を食ったからもっと子供と遊んでやればよかったと申し訳ないが、音楽とは僕にとってそこまで犠牲を払った特別なものだ。

宇野さんが演奏家だなと思うのはシューリヒト、クナッパーツブッシュの評価の文章だ。彼は即興性、自発性を重視しており、カチッとした枠組みをつくるハンガリー系や人工的、紋切型は嫌いだという顕著な傾向がそこに読み取れるが、自分がスコアをどう読むかに照らして評価しているというベースがあるというのは大切だと思う。教養主義の美学でなく実践的、現場的で自己流の美学だが、僕は今はそのほうが共感を持てるようになっている。

音楽は好き嫌いでいい。というかそれしかない。「名曲だから聴きましょう」はない。僕がブログにするのも楽譜までもちだすのも、知識をひけらかすためでなく、その曲がその箇所がメシより好きだからであって、その箇所を自分の手で音にしたいために何時間もピアノやシンセで格闘したからだ。こういう風になったのは多分に僕流のことなのだろうが、「クラシックを聴く」流儀にはこんなにケッタイなのもありだ。自分の好きなようにやればいいし、かくあるべしなんて決まりは一切ないということだ。

ここに至るまでの里程標として多くの演奏家や評論家の方々のお世話になったが、宇野さんにはその中でも「自分でする」という大事なスタンスを教えていただいた。ご冥福をお祈りしたい。
https://sonarmc.com/wordpress/site01/2016/06/23/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3%E6%B0%8F%E3%81%AB%E3%81%A4%E3%81%84%E3%81%A6/

晩年は、その筆の勢いというか、かつてのキレがなくなってしまい、とてもがっかりだったけれど、例えば1980年代初頭、「レコード芸術」誌上で繰り広げられた福永陽一郎さんとのムラヴィンスキー論争などは、現在では考えられないほどの互いの持論の主張と反論の応酬であり、今思い出しても読者である僕たちが熱くなるほど激しいものだった。

当時、オイロディスクからリリースされた「ウィーン芸術週間のムラヴィンスキー」と題するLP4枚組セットについて、冒頭いきなり「エフゲニー・ムラヴィンスキー。この名前は私にアレルギーをおこさせる」と、まずは福永さんが気炎を吐いた。

今度のアルバムについても、宇野さんが「現役指揮者の中で唯一人の天才」なんて持ち上げるものだから、何だか気おされてしまって、かえって味気なくなってしまいそうだったが、1978年のライヴ録音というから、ひとつのオーケストラの常任指揮者としての在任記録も、オーマンディと並ぶ長距離不倒走者というわけだし、この際、心をあらためてジックリ耳をかたむけてみたのだ。
〜「レコード芸術」1981年4月号P200

この謙遜というより何とも慇懃な言い様に、右も左も分からない高校生ながら（当時宇野派の僕は）呆れ返らざるを得なかった。
福永さんは、シューベルトもブラームスも異様な演奏だとして数多の言葉を駆使してこき下ろし、ショスタコーヴィチについては「凄い」と賞讃しながらも感情の枯渇を指摘、さらにチャイコフスキーに至っては「評価のしようがないほどナンセンスな演奏だ」と取りつくしまがない。挙句は「蕁麻疹が出た」という有様だから僕は言葉も出なかった。

さすがの宇野さんも、これには反論の筆を執った（福永陽一郎氏のムラヴィンスキー論に反論する）。

具合が悪いのは、福永さんが、この演奏のすばらしさ、指揮者の表現力、統率力、オーケストラの能力を口を極めて絶讃し、その個性を好む趣味の人を貶すつもりはないが、ご自分は蕁麻疹が出た、といわれていることであろう。ムラヴィンスキーに対するアレルギーに、理由などはほとんどない、その拒絶反応には説明のしようがない、というのでは、これは好き嫌いの問題であって、話にならないのである。好きでも嫌いでも、良いものは良い、悪いものは悪い、というのが批評の鉄則であり、福永さんが、自分は批評家ではない、といわれても、それは通らないと思う。
〜「レコード芸術」1981年7月号P130

いかにも正論の宇野節炸裂に欣喜雀躍。
さらに宇野さんは次のように福永さんを責め立てる。

もう一つの大問題は、福永さんがムラヴィンスキーの実演を一度も聴いたことがない、という事実だ。凡庸な演奏というものは、時にマイクを通した方が良く聴こえる場合もあるが、天才の芸術になればなるほどマイクには入り切らない。
〜同上誌P130

この後も宇野さんはムラヴィンスキーの演奏の凄さを、手を変え、品を変え、訥々と論じられている。そして記事の最後を次のように締められているのである。

それにしても、福永さんがムラヴィンスキーのシューベルトやブラームスを《ロシアなまり》と称しているのには抵抗がある。ムラヴィンスキーのチャイコフスキーやショスタコーヴィチを本場物だから、という理由で高く評価するのが間違いであるように、この指揮者にロシアなまりなど、ありはしない。それこそ彼の個性なのである。福永さんは、ムラヴィンスキーの演奏を「自説でしかない」とけなされているが、演奏というもの自体が、本来自説でしかないのではあるまいか。ぼくが思うに、現代の指揮者たちは自分を語ることから遠ざかっているように思う。
〜同上誌P131

演奏というものが本来自説でしかないという言葉に膝を打つ。
その通り、宇野さんも、自身がオーケストラを指揮するようになってから、自説以外の何ものでもない個性的な演奏を繰り広げた。そしてまた、（ムラヴィンスキーとは次元が違うとはいえ）彼の演奏も録音にはなかなか入り切らなかった。

「ワーグナーには小細工をしてもはじまらない。いかにオーケストラを鳴らし、雄大なスケールを表出するかだけだ」と挑戦したワーグナーの管弦楽を中心に組んだコンサートでも、宇野さんはその録音を発売することにとても躊躇したというのだから興味深い（示導動機が鮮明さを欠き、響きに立体感が乏しいという理由かららしい）。しかし、その演奏は当然とても個性的なもので、今となっては残していただけて良かったと思えるもの。

ワーグナー：楽劇「ニーベルングの指環」よりオーケストラル・ハイライト
・「ラインの黄金」〜ワルハラ城への神々の入場
・「ワルキューレ」〜ワルキューレの騎行
・「神々の黄昏」〜夜明けとジークフリートのラインへの旅
・「神々の黄昏」〜ジークフリートの葬送行進曲
・「神々の黄昏」〜ブリュンヒルデの自己犠牲と終曲
宇野功芳指揮新星日本交響楽団（1993.4.15Live）

悠久を思わせる遅いテンポで奏される「ワルキューレの騎行」は、細部まで見通すことのできる絶品。そして、「神々の黄昏」からの3つのシーンの、時間と空間を超えた魔法の妙。特に「葬送行進曲」での地の果てから蠢き、轟く音響の有機性に驚くばかり（さぞかし実演ではすごい音が発せられたのだろうと思う）。あるいは終曲の、「生への歓呼の動機」と「ワルハラの動機」の上に、「愛の救済の動機」が顔を出し、音が三層に重なり合う場面の神々しさ。

ワーグナーが自筆総譜の最終ページに書き込んだ言葉はこうだ。

1874年11月21日、ヴァーンフリート荘にて完成。もう何も言うまい！
〜日本ワーグナー協会監修／三光長治／高辻知義／三宅幸夫編訳「神々の黄昏」（白水社）P140

文字通り言葉がない。
https://classic.opus-3.net/blog/?p=26807

ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲全曲演奏最終日　そして宇野功芳氏の訃報
http://yuichi-higuchi.cocolog-nifty.com/blog/2016/06/post-171c.html

　2016年6月16日、横浜市鶴見区のサルビアホールでパシフィカ・クァルテットによるショスタコーヴィチ弦楽四重奏曲全曲演奏最終日を聴いた。最後まで緊張感あふれる素晴らしい演奏だった。

　曲目は、前半に11番と13番、後半に14番と15番。親しい人が死に、自分の死が近づいていることを意識する時期のショスタコーヴィチの陰鬱で複雑な感情が描かれる曲。ショスタコーヴィチが信頼し、彼の弦楽四重奏曲を初演してきたベートーヴェン・クァルテットのメンバーの死を追悼する意味の含まれる曲が多く、それぞれの楽器の使い方が曲により異なる。

パシフィカ・クァルテットはそれらの曲の複雑な表情を実に鮮烈に、しかも緊張感にあふれて再現した。強い音の表現がみごと。四人の息もぴったり。やはり、ベートーヴェンの後期の弦楽四重奏を連想する。独特の境地とでもいうか。ただ、とりわけ第1番に関しては、私にはまだまだ理解できないと思った。中学生だったか高校生だったかのころ、初めてベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲を聴いて途方に暮れた時のことを思い出した。まだまだショスタコーヴィチに関して、私の修行が足りないということだろう。

いずれにせよ、私はショスタコーヴィチについては交響曲よりも室内楽のほうにずっとひかれることを改めて感じた。交響曲は大衆を意識し、ソ連当局を意識するので、内面そのものでなく、あれこれと政治的な言い訳を加えたり、韜晦を加えたりといった余計なものがたくさんある。が、室内楽にはショスタコーヴィチの屈折した内面がそのまま表れる。そこが最高におもしろい。とりわけ、弦楽四重奏曲を最初からずっと聞いていくとその人生の軌跡が見えてくる。しかも、このパシフィカ・クァルテットはそれを最高の生々しさで描いてくれる。

このような最高の企画をしてくれている横浜楽友会に感謝。

といいつつ、鶴見に通って4日間ショスタコーヴィチを聴くというのはなかなかつらい。このところ食欲がなく気が晴れない（といいつつ、一昨日は銀座三越のレ・ロジェ・エギュスキロールで実においしいフランス料理を食べたが）のはショスタコーヴィチの気分を引きずっているからのような気がしてならない。

なお、数日前、ショスタコーヴィチ連続演奏に通っている間に音楽評論家の宇野功芳氏死去の報道に接した。私は高校生、大学生のころ、氏に非常に大きな影響を受けた。その後、氏のあまりに断定的な表現、芸術に順位をつけるような考え方に反発し、私にとって最も嫌いな評論家になっていた。しばしば氏の批評に腹の立つことがあった。だが、ＣＤを聴き、自分なりに感想を抱いた後、宇野氏の評を読むと、私の感想とそっくり同じであることに驚くことも多かった。

５、６年前、一度、出版関係者の紹介で話をする機会（ベストセラー作家であり、クラシック音楽好きで、音楽関係の著書も数冊あると私は紹介された）があり、率直に私の思いをお話しすると、「宇野功芳と対決するという本でも出しませんか。いつでも受けて立ちますよ」といわれた。ちょっと考えたが、音楽に対する知識でとうてい氏に及ぶわけはないと思ってあきらめた。今となってはよい思い出だ。合掌。

コメント

宇野さんはここ数年過去に自分の言った言葉の数々に囚われてしまったようにかんじられました。音楽を聴くときに言葉に囚われることの悲劇というのを、自分は過去ある演奏者の方から直接聞いたことがあります。それをふと思い出してしまいました。
投稿: かきのたね | 2016年6月19日 (日) 03時24分

幻に終わった宇野功芳氏との対決本、もしできていたら、面白い本になったかもしれませんね。読者も参加できたら（投稿か何かの方法で）、私も一言くらいは参加したかも‥と思ってしまいました。
投稿: Eno | 2016年6月19日 (日) 18時12分

かきのたね　様
おっしゃる通りですね。確かに、あのように断定的な言い方をすると、のちに考えが変わったり、別の視点で聴き返してみたりしたとき、前言を翻すのが難しくなってしまいますね。ある意味で自分の成長を自分でとどめてしまうことになるかもしれません。しかも、氏の場合、以前と矛盾したことを書くと鬼の首を取ったようにあげつらうアンチも多かったようですし。あのような文体も一つの芸だったとは思いますが、ご自分へのマイナス面のあったのでしょう。
投稿: 樋口裕一 | 2016年6月19日 (日) 21時58分

Eno様
宇野氏の追悼本として、そのような本の企画をどなたか考えてくれませんかねえ。それがもっとも宇野氏にふさわしい本になるように思います。多くの投稿者が一つのオマージュとして宇野氏への批判をするような本です。私も一人の投稿者として加わりたいですね。

投稿: 樋口裕一 | 2016年6月19日 (日) 22時07分
http://yuichi-higuchi.cocolog-nifty.com/blog/2016/06/post-171c.html

宇野功芳の『楽に寄す』（音楽之友社）
http://www.amazon.co.jp/%E5%AE%87%E9%87%8E%E5%8A%9F%E8%8A%B3-%E6%A8%82%E3%81%AB%E5%AF%84%E3%81%99-%E5%AE%87%E9%87%8E-%E5%8A%9F%E8%8A%B3/dp/4276211298

というのが目についたので、開いてみた。ひとつひとつはそれほど長くないエッセイを集めたものである。

　これが、心地よい本だった。幸福な老人の書いたものという感じがするのである。ゆったりと温泉に浸かり、好きなすしを食べ、いいと思う演奏家を堪能する。昔の宇野氏には、不幸と言うと大げさだが、不幸ぶっているポーズがあった。それが、愛読者を魅了していた。なんたる変貌か。

　この変貌を私はすばらしいと思う。若者が不幸ぶるのは、よい。むしろあまり幸せそうにしていると馬鹿に見える。が、老人は幸せそうにするべきである。

　それにしても、フルトヴェングラーやクナッパーツブッシュに入れあげていた氏が、現在では彼らに対して冷静になっているとあまりにも素直に書いているのには驚いた。それどころか、モーツァルトに対してすら。まさに人は変わるのである。時代も世界も変わる。
http://www.hmv.co.jp/news/article/1212060065/

ニーチェも作曲したけど誰にも相手にされてないだろ

373名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 14:30:12.29ID:3Ng+UBUT
>>372
極論だな。よそで話に登ったグラウプナー、200年間楽譜がお城に私蔵というか死蔵されたせいで、200年間音楽史から無視されたさ。音楽史の価値観もゴロゴロ変わってる。ニーチェだして得意げな顔してるお前、阿修羅のなかがわたかしくんそっくりだな。知られていないのと音大卒レベル云々は全く繋がらない筋だ。
グールドの作品は嫌でも音楽史に残る。一時期フルトヴェングラーの交響曲第二番流行りかけたが、フルトヴェングラーファンでも付いていけなくて、結局フルトヴェングラー作曲家は本人の意思に反してボツっているが、音大卒ではないだろ。グールドのフーガ、久しぶりに聴いてみたけど、発想も技術も高レベル。並みの音大卒では怖くて出来ないこともしているし。

374名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 16:10:40.96ID:kIJfUgQ5>>377
グールドは著名なピアニストだったから作曲したものも一応記録として残ってるだけさ。
天才の恋人の名前が永遠に残るのと同じ

375名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 16:22:27.60ID:kIJfUgQ5>>377
どんなブスでもマスコミに出ると美女扱いだろ
アントニオ・ブレンターノとかいうブスおばさんも伝記では絶世の美女扱いだもんな

376名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 16:37:07.16ID:kIJfUgQ5>>378>>379
グールドに匹敵する天才ピアニストが主人公のドラマが有ったね：

ドラマ・・・この世の果て　1994 VHS - YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=bPyfJtwcWQs&feature=emb_title
https://www.youtube.com/watch?v=PeRHosIVNCA&feature=emb_title
https://www.youtube.com/watch?v=mV205mH-ohg&feature=emb_title
https://www.youtube.com/watch?v=nu8r4PkZc6A&feature=emb_title
https://www.youtube.com/watch?v=ImxblWCJXIE&feature=emb_title
https://www.youtube.com/watch?v=_O3r_r-at40&feature=emb_title

グールドと人間性が似てるよね

377名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 16:40:18.98ID:3Ng+UBUT
>>374
>>375
お前が音楽史家でもなければ後世の評価についての予言者でもない。つまり、ためにするいちゃもんつけならあらゆる事に対して何でも言えるわな、それくらいのこと分かった上でやってるならネジけた心根、分かってないなら幼児性の抜けない特上のばぁか、どっちでも、5ちゃんねるらしい脳足りんだ。違う？

379名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 16:57:12.29ID:3Ng+UBUT
>>376
次はそんな脚色まみれのものじやなくて、
ダイレクトにグールドのフーガの分析合戦やろうよ、暇なんだろ？楽譜も手元にあるんだろ貶すくらいだからさ。用意できたら教えてね。

380名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 17:05:34.90ID:kIJfUgQ5

音楽学者には音楽はわからないというのが定説さ：
以前柳田邦男氏が、「人生の1枚のレコード」と題するエッセーでメンゲルベルクの指揮するバッハの「マタイ受難曲」に言及し、その感動的な演奏に対する深い想いを書いておられることを思い出した。その中で「追記」された文章があり、それがとても印象的で、僕の今回の体験と何となく同じようなニュアンスを感じたので、その部分を抜粋させていただく。

-------------------------------------

メンゲルベルク指揮のマタイ受難曲は、心を病んでいた私の次男・洋二郎も何度となく聴いていたレコードだった。1993年夏、自ら命を絶った洋二郎の遺体を病院から引き取って家に帰った時、偶然にもマタイ受難曲のアリア「主よ憐れみたまえ」がテレビから流れた。

「憐れみたまえ、わが神よ」をテーマ曲にしたアンドレイ・タルコフスキーの映画『サクリファイス』が、まさに終わろうとしていたのだった。私は、立ちすくんだ。それ以後、マタイ受難曲は、私にとって人生全体をゆさぶられるような重い曲となっている。

なお、音楽美学やドイツ音楽史の専門家で国立音楽大学教授の礒山雅氏は、詳細な作品研究の著書『マタイ受難曲』（東京書籍）のなかで、メンゲルベルク指揮のこの演奏を、バッハの基本からはずれていて、とくにテンポの伸び縮みがあまりにも恣意的だと、きびしく批判し、

「聴いていて途方に暮れ」
「うんざりする」

とまで書いている。批判は演奏に対してだけでなく、聴き手に対しても向けられ、

「この演奏に感動して涙する若い聴き手がいると聞くのだが、そういう人はどうやって耳の抵抗を克服しているのか、知りたいものである」

と冷笑している。どうやら楽譜を読みこなす力のない私や息子は、マタイ受難曲を聴くには失格らしいのだが、音楽とは人生の状況のなかでの魂の響き合いではないかと考えている私は、「それでもメンゲルベルク指揮のあの演奏は私の魂をゆさぶる」という感覚をいまも抱いている。
「かけがえのない日々」（柳田邦男著）

381名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 17:06:47.48ID:kIJfUgQ5
音楽は右脳で聴くものだ
音楽学者は左脳で聴いているから、音楽ではなく言語として理解してしまうんだな

382名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 17:10:32.79ID:kIJfUgQ5

宇野功芳 V S礒山雅？

　たまたまバッハ学者、礒山雅氏の『マタイ受難曲』（東京書籍）を読んでいたのである。あの傑作に含まれる１曲１曲についてあれこれ解説を加えた本だ。とはいえ、一般読者を想定して、語り口は平易。『マタイ』好きなら、持っていてよい１冊だ。特にバッハがキリスト教をどう自分のものにしていたかということが詳しく触れられているのが私には興味深い。

　この本の最後のほうでは、約４０種類の録音について著者の意見が記されている。これがなかなかおもしろい。

高く評価されているのは、たとえばレオンハルトやショルティ。この組み合わせには、えっと思う人もいるかもしれない。その反面、かねてより名演奏と誉れ高かったクレンペラー、カラヤン、そしてメンゲルベルクには冷たい。そして、古楽系でもコープマンには否定的。

氏の判断基準ははっきりしている。彼らが個性的な指揮者だとは認めたうえで、作品そのものの表現や力や性格を無視しているのがダメだと言うのだ。
クレンペラーについては、かつて若き日に愛聴したものと記したうえで、問題点が指摘されている。

メンゲルベルクに対してはことのほか厳しい。
「この演奏に感動して涙する若い聴き手がいると聞くのだが、そういう人はどうやって耳の抵抗を克服しているのか、知りたいものである」
「聴いていて途方に暮れる」
「うんざりする」
のだそう。もっとも、その理由はきちんと記されているし、もし自分が聴衆のひとりだったら、圧倒されるだろうとも記されているが、何だか大人の配慮というか、言い訳っぽい。

383名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 17:11:07.06ID:kIJfUgQ5>>384
ちょうどこの本を読んでいたら、そのメンゲルベルクの新たな復刻（オーパス蔵）が送られてきた。開いてみると、解説書の中で宇野功芳氏が大絶賛している。

「われらの宝」
「バッハ時代のスタイルを金科玉条のものとし、この演奏に感動できない人の、なんと哀れなことか」。

礒山氏の意見とはあまりにも見事に正反対なので、笑ってしまった。

はいはい、礒山氏は哀れなわけね。

　この場合、どちらの意見もそれなりに正しいというしかないだろう。メンゲルベルクならではの演奏様式が平気な人にとっては、一回限りの燃えるライヴの魅力が味わえようし（特に合唱の没入ぶりはすさまじい）、生理的に我慢できないという人には、論外な演奏だろう。ただし聴いているうちに慣れてきて、抵抗感が薄まる可能性は高い。音質のほうも聴いているうちに徐々に慣れてくる。手元にあるフィリップスのＣＤと比べたら、ノイズをカットしていない分、音質は明瞭。この演奏が好きなら、買い換えてもいいだろう。

　とはいえ、初めてこの曲を聴くなら、まずはもっと新しい音で聴いたほうがいい。古楽ならレオンハルトの演奏がよいけれど、オランダ系古楽の常でドラマ性が薄く、残忍、残酷、血の匂い、要するに生々しさが足りない。古楽系は、最後まで聴いてもカタルシスがなく、。あの終曲があまりにもあっさりしてしまうのだ。
私が一番好きなのは、リヒターの最後の録音である。昔から褒められている最初の演奏より、いっそうドラマティックで濃厚である。

　バッハと言えば、今年のラ・フォル・ジュルネはバッハ関係である。例によって小さなホールの公演はあっという間に完売になるのが困ったものだ。それに、せっかくコルボが「マタイ」をやるのに、とてもクラシック向けとは言えない巨大ホールが会場というのも困る。コルボ自身はＰＡを気にしないというが、聴くほうはそうではない。せっかくの催しだけれど、毎年あのホールだけは何とかならないかと思う。幸いコルボは、「ロ短調ミサ」のほうはまだしもまともなほうのホールで演奏してくれる。

ちなみに、礒山氏はコルボの「マタイ受難曲」は「厚化粧の美女」みたいと言っている。いいじゃん、厚化粧の美女。嫌いですか。
（きょみつとし　音楽評論家、慶応大学教授）

385名無しの笛の踊り2020/08/23(日) 17:23:26.83ID:kIJfUgQ5

楽譜というのはあくまでも作曲・演奏の為のツールだからね
音楽は美術や詩と同様に無意識をイメージ化したものだから
音楽がわかるというのはその無意識の原型を知る事なんだ
楽譜が読めるかどうかは音楽がわかるかどうかとは全く関係ない

メンゲルベルクが第4番を録音した1930年代は驚く数の上演をしており
第8番や第7番のようなものでも定期的に演奏会に載せていた。
ワルターも1933〜38年に客演しておりその中には3番の演奏も含まれている。

Amsterdam Royal Concertgebouw Orchestra (RCO) Mahler performances (1903-2017)
https://mahlerfoundation.org/mahler/locations/netherlands/amsterdam/amsterdam-royal-concertgebouw-orchestra-rco-mahler-performances/

メンゲルベルクのコメントは、彼の作品への感謝と賞賛からだけでなく、
彼の音楽との完全な一体性から生じたものであるため、
彼が非常に真剣に受け止めたものでした。
マーラーの作曲方法を理解していたため、メンゲルベルクはわずかな欠落や
欠陥を指摘することができました。
多くの場合、いくつかの小さな調整で解決できる問題。
さらに、マーラーの作業方法には、実際に音に不満がある場合に
スコアを変更することが含まれていました。彼はリハーサルのたびに変更を加え、
メンゲルベルクに直接渡しました。これらは偶発的な変更ではありません。

マーラーは、彼が指揮するスコアに何百もの音符と楽譜を書きました?
4番目には、1000以上ありました！

メンゲルベルクは、新しい提案で各改訂に対応します。
彼はマーラーの友達以上のものになりました。
彼は信頼できる相談役に成長しました。
（その他、第7番の自筆譜の贈呈などの記事あり）

https://mahlerfoundation.org/mahler/locations/netherlands/amsterdam/gustav-mahler-himself-in-amsterdam/
https://mahlerfoundation.org/wp-content/uploads/2015/01/mov1remarksmahlerandmengelberg500.jpg

210名無しの笛の踊り2021/03/07(日) 17:53:27.59ID:ddVbadUn

ワルターのアムステルダムでの巨人（1947）に微妙な食い違いに感じるのは
引退してまもないメンゲルベルクが託した奏法の書き込みを
必死に掻き消そうとあれこれテンポを動かそうとしてるとこだろうと思う。

というのも、マーラーは5〜8番について楽譜に書いていないアイディアを
手紙でメンゲルベルクに託すほど、緊密な仲にあったと言われ
ACOのパート譜には、メンゲルベルクの独自の見解も含め
多くの書き込みがしてあり、団員がそれを血肉のように消化していたからだ。

2楽章も中間を過ぎる頃になって、ワルターも諦めがついたのか
オケの自由に任せるようになって、歌い回しがこなれてきている。
最終楽章では、それが災いして統率を取らずに響きが乱れる。
（バイエルンではこうしたひねくれた態度を取らずキッチリ決めている）

クレンペラーも1951年に復活のアムステルダム客演を果たしているが
その堂々とした振舞いとは全く逆の態度のようにみえる。
https://lavender.5ch.net/test/read.cgi/classical/1613632372/l50